Centro Culturale e Galleria San Fedele - Musica

Concerto STRIDE AND SWING PIANO GALA

Tue, 09 Apr 2013 22:00:00 GMT

Un dialogo a due pianoforti dedicato ai grandi pianisti jazz, dalle origini al bebop: Thomas "Fats" Waller, Jelly Roll Morton, Teddy Wilson, Oscar Peterson, Hank Jones, Erroll Garner, Art Tatum, Bud Powell.

Prenotazioni
mail: info@esedomani.com, tel. 393 0430040 (lun-ven 14.30-18.30)
sito web: www.esedomani.com

L'evento raccoglie fondi per la costruzione del nuovo ospedale di maternità e pediatria "Divine Providence" in Senegal. I dettagli del progetto saranno illustrati ad inizio concerto.

Concerto dell'Accademia Musicale dell'Annunciata di Abbiategrasso

Sun, 07 Apr 2013 22:00:00 GMT

Programma

Luigi Boccherini
Sinfonia op. 12 n. 4 “La casa del diavolo”

Giuseppe Tartini
Sonata per violino e continuo op. 1 n. 4 “Il trillo del diavolo”
Carlo Lazzaroni (violino)
Marcello Scandelli (cello)
Riccardo Doni (clavicembalo)

Christoph Willibald Gluck

Don Juan, Wq 52 (suite dal balletto)

Info e prevendite:

Lo Scrigno della Musica, via Borsani 29 - Abbiategrasso

scrignodellamusica@alice.it,

cell. 3939864191 - 3345621118, dal lunedì al sabato dalle 10.00 alle 12.30 e dalle 15.00 alle 19.30

LUN 17 giugno NOTTE ACUSMATICA

Sun, 07 Apr 2013 22:00:00 GMT

NOTTE ACUSMATICA / Omaggio ad A. Tarkovskij
Musiche acusmatiche e opera del Premio Phonologia

Proiezioni acusmatiche a cura di: Giovanni Cospito, Dante Tanzi

Notte di Musica acusmatica, ovvero musica elettronica concepita per il sistema di diffusione con 40 altoparlanti, l'Acusmonium Sator che spazializza il suono nella sala e permette di ottenere vari aggregati tembrici e di colori.

Musiche di Bernard Parmégiani, Alexandre Yterce, Giovanni Cospito, Premio Phonologia

LUN 22 aprile QUADRILATERO Elettronico

Mon, 15 Apr 2013 22:00:00 GMT

QUADRILATERO / Musiche elettroniche a 4 dimensioni
Musiche acusmatiche, Live electronics & Video-Art
Mario Marzi, sax
Proiezioni acusmatiche a cura di: Giovanni Cospito, Dante Tanzi, Giuseppe Ielasi
Elaborazione video a cura di Otolab

Serata inedita di Musica elettronica in quattro brevi parti con quattro diverse sfaccettature della produzione musicale elettronica degli ultimi cinque anni in Italia. Sono protagonisti alcuni tra i più rappresentativi musicisti italiani del settore.
I - Si inizia con due brani per sassofono e Live electronics con diffusione in ottofonia. Il sassofonista Mario Marzi eseguirà opere di Luigi Ceccarelli e Carmine Emanuele Cella.
II - Seguirà una parte di Computer-Music con Giuseppe Ielasi, il cui intervento si basa sulla rielaborazione e la ricomposizione di frammenti elettronici, registrazioni ambientali e di oggetti di vario tipo, seguendo principalmente una logica intuitiva e improvvisativa e utilizzando sistemi di diffusione multicanale gestiti in tempo reale.
III - Il terzo momento musicale vedrà la prima esecuzione assoluta di due opere per acusmonium dei compositori Massimiliano Viel e Riccardo Nova.
IV - E infine, il laboratorio multimedia Otolab proporrà un'interazione tra musica elettronica e video-art, con una performance live sulla tematica della percezione audiovisiva.

2 PRIME ESECUZIONI ASSOLUTE
Massimiliano Viel
Crossing, 15'
Tecnica: file audio stereo da essere spazializzato su Acusmonium

"Crossing" è uno studio sulla polifonia elevata, qui rappresentata dall'immagine di un ammasso globulare ("cluster"), una sorta di mini-galassia sferica composta da centinaia di migliaia di stelle. In questo brano l'ascoltatore viene immerso in un cluster fittizio composto da 36 tra le stelle più brillanti che sono visibili dalla Terra, le quali diventano altrettante voci di una polifonia immersiva. I segnali emessi da queste stelle/voci si intrecciano creando e disfacendo dialoghi come in un rito proveniente da un mondo lontanissimo e antichissimo in cui noi siamo spettatori. I materiali di "Crossing" sono stati realizzati con il sintetizzatore analogico Leploop.

Riccardo Nova
Nineteen Mantras remix, 11'
Tecnica: file audio stereo da essere spazializzato su Acusmonium

"Ninteen mantras remix" e' un estratto del finale di Nineteen Mantras (opera Video/coreografica eseguita in prima nel gennaio 2012 all'Auditorium Parco della musica di Roma con regia di Giorgio Barberio Corsetti , coreografia di Shantala Shivalingappa e musiche di Riccardo Nova) che ho remixato per questa occasione pensando in particolare alla possibilita' dell'acousmonium di distribuire nello spazio lo spettro timbrico. Ho utilizzato un sistema di intonazioni "giuste" con limite 19 che divide l'ottava (2:1) in 99 parti non equabili.
" Vacam Ud Ajayat " // "Vinse La parola "
E' il primo di una serie di 17 mantra tratti dallo yajurveda e si riferisce ad un mito che narra di come Vac (la parola)
nasca dal terrore che il padre (Prajapati) prova quando il figlio (Agni) tenta di divorarlo.

GIUSEPPE IELASI
Nato nel 1974, vive e lavora a Milano.
Musicista e compositore, ha lavorato dal 1996 al 2006 nell’ambito della musica improvvisata, collaborando con musicisti quali Jerome Noetinger, Martin Siewert, Brandon Labelle, Nmperign, Phill Niblock, Oren Ambarchi, Mark Wastell, Nikos Veliotis. Dal 2007 si occupa prevalentemente di composizione di musica elettroacustica spesso eseguita e rielaborata in concerto, durante vari tour in Europa, Stati Uniti e Giappone e partecipazioni a numerosi festival internazionali. Ha presentato i propri lavori al Centre Pompidou di Parigi, e all’ INA-Grm (Radio France), allo ZKM di Karlsruhe e in molti altri centri.
Suona nei gruppi: Bellows (con Nicola Ratti) e Oreledigneur (con Renato Rinaldi).
Collabora dal 2005 con Armin Linke, come musicista in performance audiovisive (ZKM Karlsruhe, RomaEuropa Festival, Goethe Institut New York, Villa Romana Firenze), e come montatore e compositore per produzioni video e cinematografiche (il mediometraggio Alpi verrà presentato al Festival del Cinema di Berlino 2011).
Gestisce insieme a Jennifer Veillerobe l'etichetta Senufo Editions e si occupa di mastering audio per numerosissime etichette discografiche.
I suoi concerti sono basati sulla rielaborazione e la ricomposizione di frammenti elettronici, registrazioni ambientali e di oggetti di vario tipo,
seguendo principalmente una logica intuitiva e improvvisativa e utilizzando sistemi di diffusione multicanale gestiti in tempo reale.

LUN 4 marzo BURIAL & MONOLAKE Electronic Music

Tue, 12 Mar 2013 23:00:00 GMT

PAESAGGI URBANI & UTOPIE AMBIENTALI
Untrue di Burial & Gobi di Monolake

Presenta Massimiliano Viel
Con Sound reactive visuals (interazione suono/immagine) a cura dell'artista multimediale Andrew Quinn.
Proiezione acusmatica a cura di Giovanni Cospito e Dante Tanzi

Viaggio musicale in due regioni dell’immaginario post-moderno: i paesaggi hyper-urban e post-dubstep del londinese Burial e la rielaborazione ambient del deserto di Gobi firmata dal gruppo tedesco Monolake.

Da una parte un remix di Untrue di Burial, cd uscito nel 2007 che ha rinnovato la scena del Garage Dubstep britannico: scorci musicali urbani, carichi di una struggente malinconia, ma al tempo stesso intensi ‘campi di memoria’ in cui risuonano gli scheletri sonori della Pop music degli ultimi 20 anni. “Rimosso in parte quel substrato assordante di beat pachidermici, con Untrue Burial fortifica la propria vena melodica, inserendo in un contesto cyberpunk cori soul, campionamenti al telefono, impalpabili orientalismi strumentali, divagazioni pseudo lounge paradossalmente accostabili alla house più deep, pescando anche nel 2-step/uk-garage dei Novanta. L'oscuro annichilimento lascia il posto a un quadro desolante in cui spunta sempre una piccola luce da inseguire” (A. Guidetti).
YOUTUBE: In McDonalds di Burial

Dall’altra parte, un impressionante pannello sonoro di 36 minuti, dai toni notturni e ciclici: Gobi. The desert, tra i più riusciti lavori ambient realizzato dal gruppo Monolake al suo esordio nel 1999. Quest’opera acquista una profondità straordinaria mediante la diffusione con l’acusmonium. .

LUN 27 maggio KOYAANISQATSI

Mon, 20 May 2013 22:00:00 GMT

Proiezione acusmatica di
KOYAANISQATSI (1983) di Godfrey Reggio
Colonna sonora di Philip Glass
proiezione acusmatica a cura di Giovanni Cospito e Dante Tanzi.

(Prevendita dei biglietti consigliata, unicamente in Auditorium, tel. 02 86352231)
In collaborazione con Popoli, Aggiornamenti Sociali, Circuito Musica, Lega Ambiente

Koyaanisqatsi è un’opera che si fonda in maniera esclusiva su un costante contrappunto fra due elementi linguistici utilizzati in stretta correlazione: immagini e suoni musicali, immagini della natura e urbane si alternano, a velocità accelerata o rallentata Attraverso essi si realizza, lungo un arco temporale di circa 81’, una solida struttura narrativa dai contenuti fortemente critici nei confronti del modello di sviluppo delle società occidentali.
Irraccontabile, un film senza parole nel quale ogni immagine acquista valore in sé e dove un ruolo fondamentale è svolto dalla colonna sonora, curata dal musicista minimalista Philip Glass. Il titolo è una parola mutuata dalla lingua indiana Hopi e vuol dire «la vita senza equilibrio».
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Premio Phonologia

Tue, 04 Dec 2012 23:00:00 GMT

LISTA DEI FINALISTI

Alessandro Ratoci
Alberto Prezzati
Carlo Barbagallo
Mattia Bonafini
Remo De Vico
Riccardo Castagnola
Sam Salem

LISTA CANDIDATI PREMIO PHONOLOGIA

Alberto Prezzati (1986)
Alessandro Ratoci (1980)
Romina Daniele (1980)
Brian Burgan (1988)
Carlo Barbagallo (1985)
Domenico Stranieri (1981)
Giuliano Anzani (1990)
Lefteris Papadimitriou (1977)
Mattia Bonafini (1980)
Mikolaj Laskowski (1988)
Nicola Casetta (1979)
Remo De Vico (1986)
Riccardo Castagnola (1988)
Salvatore Miele (1980)
Sam Salem (1982)

CALENDAR 2012-2013

5th of December
Selection of the finalists

February 2013: evaluation meeting

May/June 2013: final concert with the Acusmonium SATOR in the Auditorium of San Fedele

October 2013: Biennale Musica - Venezia, performance of the winner's work

Commenti musicali di Avvento 2012

Fri, 09 Nov 2012 23:00:00 GMT

Il compositore Bruno Zanolini propone “Sei pagine d’Organo per l’Avvento”: brevi meditazioni musicali, ciascuna delle quali verrà accostata alle letture che la Liturgia propone durante le domeniche d'Avvento. Si tratta di una serie di “Variazioni sull’Alleluja gregoriano della II domenica d’Avvento”. Al testo sacro dell'Alleluja e alle simbologie della preparazione al Natale sono ispirate le figure musicali dominanti in queste sei composizioni organistiche. Alcuni esempi: rapide figure scalari identificano l’acqua con cui Giovanni battezza il Cristo; andamenti accordali contraddistinguono la ‘via’ preparata dal Battista, l’invito alla purificazione o la fiduciosa attesa; ancora, i vari popoli che arriveranno a riconoscere l’unico Dio sono trasfigurati da una ricca scrittura arpeggiata gravitante intorno connota alla nota-pedale 'Re'. Nonostante il trattamento contrappuntistico, talvolta rigorosamente canonico, il tema dell’Alleluja è sempre riconoscibile nel corso di questo ciclo di composizioni organistiche e lo attraversa con il suo canto di luminosa speranza: “Sorga Dio e i suoi nemici fuggano davanti a Lui… I giusti invece si rallegrino e cantino di gioia” (Salmo 67).</div>

LUN 14 Gennaio CIN'ACUSMONIUM

Sun, 06 Jan 2013 23:00:00 GMT

Proiezione acusmatica di
Nostaglhia (1983) di A. Tarkovskij

presenta Roberto Diodato
proiezione acusmatica a cura di Giovanni Cospito e Dante Tanzi.

(Prevendita dei biglietti per le proiezioni unicamente in Auditorium, tel. 02 86352231)

   Campione indiscusso del cinema della crisi, Tarkovskij ha firmato (insieme a Tonino Guerra, cosceneggiatore) un altro film difficile ma suggestivo e fondamentale per le bellezze figurative, la splendida fotografia di Giuseppe Lanci, le intense interpretazioni di Oleg Jankovskij e di Erland Josephson.
   Il film è di una solenne gravità, e traduce in immagini di forte lirismo, puntando sui temi dell’acqua e del fuoco, un ampio spettro di motivi morali e spirituali, siano quelli della incomunicabilità e del trovarsi fra esseri diversi, quelli del materializzarsi dei ricordi o quelli antichi dell’identità fra poeti e malati mentali, profeti di salute oltre ogni confine. Siamo nel misticismo di puro segno slavo con una magistrale sapienza compositiva.
   A quanto c’è di malato nella parola «nostalgia» corrispondono immagini imbevute di luce smorta, caligini senza tempo, stagni e foschie. Nostalghia è un film rituale, con un sovrappiù di declamatorio. Dove nessuno è felice, salvo una bimba innocente, ma il sogno sovrasta e l’utopia ci purifica. Due ore e dieci di poesia (Giovanni Grazzini).
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LUN 10 dicembre CIN'ACUSMONIUM

Sun, 18 Nov 2012 23:00:00 GMT

Proiezione acusmatica del film
Andrej Rublev (1966) di A. Tarkovskij

    interpretazione acusmatica Giovanni Cospito e Dante Tanzi.

(Prevendita dei biglietti per le proiezioni unicamente in Auditorium, tel. 02 86352231)

    Per la prima volta, tre film di Andrej Tarkovskij verranno proiettati con un sistema audio di 40 altoparlanti (l’Acusmonium SATOR). Lo scopo non è quello di creare effetti fonici speciali o di aggiungere sonorità non previste dal regista. Si tratta di spazializzare, durante le proiezioni, unicamente le colonne sonore e il materiale audio dei tre film. L’Acusmonium non ha dunque la funzione di potenziare il suono, ma contribuisce a rendere più percepibile l’unità immagine/suono nell’esperienza cinematografica.

SINOSSI

    Otto momenti della vita del monaco e pittore di icone Andrej Rublëv vissuto tra il 1370 e il 1430: un viaggio a Mosca; una prima discussione col pittore greco Teofane sul rapporto tra uomo e Dio; una seconda su come dipingere la Passione; una festa pagana tra i boschi; il lavoro di Rublëv a un affresco sul Giudizio universale; l’invasione dei Tartari e la difesa da parte del monaco di una sordomuta; il ritiro in un convento; la fusione di una campana che fa capire a Rublëv l’importanza dell’arte per il popolo. Biografia di uno dei grandi artisti russi del passato trattata come un affresco nel quale i fatti storici si mescolano alle riflessioni sui rapporti tra artista e potere, artista e popolo. Dalla rappresentazione storica si passa continuamente, in ognuno degli otto episodi, al giudizio critico e il «realismo», a volte molto crudo della ricostruzione drammatica, si dilata nell’interpretazione di alcuni problemi della società contemporanea. La solenne lentezza del ritmo è amplificata dal suggestivo effetto spaziale dello scope bianco e nero. Nel breve epilogo a colori il Dio della Trinità dipinto da Rublëv guarda solenne, ma finalmente vicino e comprensibile, l’uomo. Girato tra il 1965 e il 1967, presentato a Cannes nel 1969, fu proiettato in Urss soltanto nel 1972 (Il Mereghetti, Dizionario dei Film, Milano 2006).

APPUNTI

    Andrej Rublëv vuol essere una descrizione della Russia, un ritratto del popolo russo. Con le immagini della prima sequenza la terra russa si apre allo sguardo dell’uomo che ha osato volare, infrangere le leggi fisiche. Guarda dall’altro l’uomo che vola, guarda dall’alto il regista, per offrire un panorama della terra, della gente, dell’anima russa. Ma queste immagini, di una tranquillità e compostezza infinite, hanno termine. Rovinoso è il ritorno sulla terra; la realtà russa va conosciuta non solo da lontano, ma da vicino.
    A Tarkovskij preme di parlare della gente russa in un preciso periodo storico. L’immagine di questo popolo si forma attraverso i personaggi che gremiscono alcuni episodi del film, ma soprattutto attraverso la figura della giovane sordomuta che vive accanto al protagonista per un certo tratto della vicenda. Nella donna bionda si incarna l’esistenza di un popolo che non aveva comunicazioni di bisogni e di pensieri con i suoi governanti, con le varie autorità che erano la pià netta antitesi della vita pensosa della sterminata pianura sulla quale viveva gente totalmente ignara del mondo esterno. La sordomuta ben rappresenta questa umanità afflitta e dimessa, questo mondo del silenzio…
    Di questo popolo Andrej Rublëv è un figlio singolare. Egli constata come le ribellioni solitarie non giovino, come esse vengano brutalmente represse. In lui fiorisce e prospera la convinzione che bisogna operare per il futuro: egli è certo che la vita va vissuta al servizio degli uomini; è deciso a scuotere la sua gente dal torpore perché sia capace di guardare la realtà come parte di se stessa, di riporre fiducia in se stessa, perché l’uomo, solo, è all’origine di ciò che di più insigne è dato vedere sulla terra…
    Il mondo sarà radioso e abitato da esseri veramente liberi solo se l’uomo potrà esplicare senza limiti la sua personalità… La violenza, l’infelicità, la prevaricazione, l’invidia percorrono la pellicola come una fiumana di morte. Nella cattedrale di Vladimir, devastata dai Tartari, ingombra di cadaveri e di rovine, fra icone fumiganti, prepotente è il senso di morte e di disfacimento. La desolazione e la sfiducia invadono il cuore di Andrej e vi albergano, ma un cavallo nero entra nell’edificio e la neve comincia a scendere fra gli sperduti rintocchi di una campana, presenza e segno del necessario prodursi di un evento, fugaci indizi di una ancor lontana eventualità per la quale la catena dei luttuosi eventi sarà spezzata.

    Il Cristo, San Giorgio, il drago, la sintesi
    L’icona è «una visione della verità», «provoca nella realtà quanto è desiderato». Tarkovskij illustra nel finale alcune icone di Andrej Rublëv. Ritrae alcuni particolari dell’icona della Natività, poi passa a quella del Pantocrate presentandola nella sua interezza, e, prima di affrontare la Trinità angelica, si sofferma sui dettagli delle icone raffiguranti la Trasfigurazione, la resurrezione di Lazzaro e l’entrata di Gesù in Gerusalemme. Certo, la Trinità Angelica è la meta cui tendeva il discorso di Tarkovskij: il potere nella sua essenza imperscrutabile si umanizza, tempera la propria forza indifferente, entra in una dinamica di reciproco rispetto, di mutua collaborazione con i sudditi. Dalla riverenza timorosa si sale ad una concezione più pacificata dell’esistere e dell’autorità, si accede ad una visione di giustizia e di conciliazione che si incarna nel volto del Salvatore.
    Nel Cristo si fondono i simboli fondamentali dell’universo: il cielo e la terra per le sue due nature, l’aria r il fuoco per la sua ascensione e per le sue due nature, l’aria e il fuoco per la sua ascensione e per la sua discesa agli inferi, la morte e la resurrezione, l’asse ed il centro del mondo, l’agnello sacrificale e il principe dell’universo. Il Cristo raduna in sé i simboli della luce e della centralità; opera la fusione del mondo sotterraneo con la terra e il cielo. In lui combaciano tutti gli opposti; in lui è perennemente attuale una condizione ricca di infinita potenzialità. Nella Chiesa antica egli era il “sol novus” e si venerava come sole nascente.
    Sul volto del Cristo/Salvatore di Andrej Rublëv, nei cui «occhi non si leggono la punizione e la vendetta per le colpe degli uomini – già il popolo russo soffriva e gli occhi del Salvatore esprimono questa sofferenza e, nello stesso tempo, l’attesa, l’amore, la speranza […], la pietà dell’uomo […], per la sua crudeltà» – la camera si fissa per alcuni istanti prima che sull’icona, preannunciate dal tuono, cadano le gocce di un acquazzone estivo.
    Con il temporale si manifesta una azione creatrice: le nuove ère sono annunciate da procelle, perché ciò che viene precipitato nel caos si trasforma e rinasce in un indescrivibile rivolgimento cosmico, cui partecipano cielo e terra. Il temporale si sfoga, ristorandola dalla calura estiva, in una minuscola radura su cui pascolano quattro cavalli: uno spiazzo quasi totalmente circondato dalle acque di un fiume che si aprono il cammino fra verdi boschi. Su questa immagine si conclude il film. Tarkovskij vi aggiunge iniziando un lento movimento della camera e dissolvendo fra l’immagine della parte d’icona battuta dalla pioggia e un paesaggio di riposante quiete. È la quiete cui anelava Rublëv che, osservando Boriška affaccendato nei preparativi della fusione, si era rammentato di un episodio sereno del suo passato, quando, in cammino con Kirill e Daniil il Nero, era stato colto dalla pioggia e con loro aveva trovato rifugio sotto una frondosa quercia.
    Tale quiete, conquistata attraverso il dolore e scaturita dalla vittoria sulla «bestia che alberga in noi», corrisponde ad un successo rivelato dai ritorni di una particolare immagine: liberata dallo stampo di argilla, la campana è inquadrata in modo che sia nettamente visibile il bassorilievo sulla superficie, raffigurante San Giorgio mentre trafisse il drago. Appoggiandovisi Boriška , vinto dalla fatica e dalla tensione, si addormenta. Lo si vede ancora quando la campana è issata dal “pozzo” di fusione e pochi istanti prima che il suono si propaghi all’intorno (da Achille Frezzato, Andrej Tarkovskij, Firenze 1977).

LUN 26 novembre CIN'ACUSMONIUM

Tue, 27 Nov 2012 23:00:00 GMT

Proiezione acusmatica del film
Stalker (1979) di Andrej Tarkovskij

interpretazione acusmatica di Giovanni Cospito e Dante Tanzi.

(Prevendita dei biglietti per le proiezioni unicamente in Auditorium, tel. 02 86352231)

     Per la prima volta, tre film di Andrej Tarkovskij verranno proiettati con un sistema audio di 40 altoparlanti (l’Acusmonium SATOR). Lo scopo non è quello di creare effetti fonici speciali o di aggiungere sonorità non previste dal regista. Si tratta di spazializzare, durante le proiezioni, unicamente le colonne sonore e il materiale audio dei tre film. L’Acusmonium non ha dunque la funzione di potenziare il suono, ma contribuisce a rendere più percepibile l’unità immagine/suono nell’esperienza cinematografica. L’elemento sonoro, nel linguaggio del cinema, viene spesso concepito come un elemento esterno, aggiunto successivamente al film, nella fase del montaggio. Non è così per Tarkovskij che auspicava, da parte dei registi, una maggiore compenetrazione tra suono e immagine.

    SINOSSI
    Uno scrittore e uno scienziato si fanno guidare da uno «stalker» – in inglese: cacciatore alla posta – all’interno di una zona proibita, dove esiste una camera nella quale si possono esaudire tutti i desideri. Allegoria sulla tentazione della fede e sul rapporto dell’uomo moderno col sacro: grazie alla forza delle immagini, Tarkovskij spesso riesce a lasciarsi alle spalle i cascami letterari (Tolstoj e Dostoevskij) e a parlare allo spettatore direttamente. Straordinaria l’ambientazione in un labirinto di gallerie in disfacimento e invase dall’acqua: e riuscita la fusione tra realismo quotidiano e fantastico. Il ritmo è stremante e i piani sequenza provano la resistenza dello spettatore, ma lo sforzo in questo caso è ripagato (da Il Mereghetti, Dizionario dei Film, Milano 2006).

    APPUNTI SUL FILM
    Venuta da tolstojane lontananze, la voce di Tarkovskij riecheggia la tradizione spiritualista russa, filtrata dal decadentismo e dalla polemica contro il materialismo storico. Con un timbro di sempre altissima qualità lirica. Non soltanto riscatta l’umanesimo banale di cui si riempie così spesso la bocca la cultura sovietica: segna un punto d’arrivo nel cammino dell’espressione contemporanea, ovunque sia intesa a dare forma, coll’immagine e il suono, ai grumi dell’inconscio.
     Il suo messaggio è antico, anzi perenne: la vera realtà è quella interiore, se nella vita non ci fosse il dolore non ci sarebbero nemmeno la felicità e la speranza, la forza del pensiero può muovere le montagne, chi ha paura di desiderare ha l’anima vuota. Ma è un messaggio praticabile con tormento: anche chi lo ha raccolto vive nella paura e nella contraddizione. Mentre si offre come guida dentro il mistero, teme di penetrarlo. Vuole la felicità, e la sa irraggiungibile. Di più, s’inventa trappole per allontanarla. E tuttavia questa è la vita: un viaggio nel sogno della fede, compiuto da un eroe che la fragilità santifica, chiamato a trasmettere la potenza dello spirito.
    Il senso dell’apologo, quanti altri mai autobiografico, è affidato a un racconto fantastico, al quale ha dato spunto la novella Pic-nic sul ciglio della strada dei fratelli Strugatskij, venuti a sceneggiarla. Vi si suppone che un puro di cuore, dunque un emarginato, lasci all’alba la sua stamberga dove vive con la moglie e la figlia paralizzata alle gambe (ma alla fine vedremo tutta una parete del tugurio è vestita di libri) e guidi uno Scrittore e uno Scienziato in una terra di nessuno, la Zona, protetta da filo spinato e sorvegliata da guardie.
    Lo chiamano Stalker – da to stalk, andare di soppiatto sulle piste della selvaggina – perché fa di mestiere il battitore clandestino nella Zona né vuole desistere benché ne sia già stato punito con la galera. La mèta qual’è? Una Stanza che ha il magico potere, a quanto si dice, di realizzare i desideri. Il viaggio è molto rischioso, in un terreno seminato di residui bellici che si teme possano esplodere, di piante che potrebbero essere velenose e putridi acquitrini. I tre avanzano con prudenza e paura fra gli avanzi di una civiltà di turpi carcasse e fiori senza profumo. E durante il cammino svelano i propri caratteri: l’uno mondanamente incuriosito dalla novità che può rinverdire la sua ispirazione di scettico letterato, l’altro ambiziosamente rivolto a un conquista scientifica che gli dia fama, lo Stalker diviso fra il timore e la speranza che i suoi due clienti abbiano il coraggio di varcare la soglia prodigiosa.
    Invece accade che, raggiunta una casa fatiscente dopo un lungo aggirarsi nei paraggi, nessuno si azzardi a entrare nella Stanza. Forse perché, se accadesse, l’umanità potrebbe realizzare le sue aspirazioni più segrete, in primo luogo la funesta volontà di dominio. O forse perché lo Scrittore e lo Scienziato (che ha rinunziato a farla saltare con una bomba) non credono più in nulla, nemmeno nella possibilità di avere degli ideali. Per cui accade che, ritiratisi i tre dalla Zona, lo Stalker accusi e disprezzi i clienti, e rientri nella sua casa. Dove la moglie cerca di confortarlo e la bimbetta sposta gli oggetti col pensiero. Come dire che l’ignoto è accanto a noi, e la gioia (espressa dall’Inno di Beethoven) può essere colta nella coscienza del soprannaturale […].
    Per godere appieno il film conviene romanticamente abbandonarsi alla strumentazione scenografica dello stesso Tarkovskij, al paesaggio marcio della prima parte (in bianco e nero con riflessi glauchi), non priva di echi bergmaniani, ai colori sinistri della natura deturpata dai ruderi metallici, all’evidenza materica delle figure tanto spesso riassunta nel periplo del cranio, a una colonna sonora che è da sola un capolavoro di Eduard Artemev (da Giovanni Grazzini, Cinema ’81, Bari 1982).

21° Festival di MilanoMusica - concerto

Mon, 05 Nov 2012 23:00:00 GMT

Programma

Niccolò Castiglioni (1932-1996)
Daleth (1979)   6'

Francis Poulenc (1899-1963)
Sonata (1962)   14'

Niccolò Castiglioni (1932-1996)
Quilisma (1977)   8'

Luca Mosca (1957)
Quintetto (1998)   8'

Fabio Nieder (1957)
Traumvogelchromatik
27 Haidenburger Vogellaute

Paolo Furlani (1964)
Il colore dei numeri (2012)   9'

Francesco Filidei (1973)
Concertino d'Autunno (2007) 15'

Per informazioni:
http://www.milanomusica.org/index.php
tel. 02 20403478

21° Festival di MilanoMusica - concerto

Thu, 18 Oct 2012 22:00:00 GMT

Programma

Raffaele Grimaldi (1980)
Anti-Diotima (2010)   12'

Eric Maestri (1980)
Celestografia (2010-12)   13'

Ivan Fedele (1953)
Morolòja kè Erotikà (2010-11)   24'

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Quartetto n. 11 op.95 "Serioso" (1810)   22'

Per informazioni:
http://www.milanomusica.org/index.php
tel. 02 20403478

21° Festival di MilanoMusica - concerto

Thu, 11 Oct 2012 22:00:00 GMT

Programma

Franz Schubert (1797-1828)
Sonata in si bem. magg. D960 (1828)   45'

Anton Webern (1883-1945)
Variazioni op. 27 (1936)   6'

Niccolò Castiglioni (1932-1996)
Cangianti (1959)   10'
Tre pezzi (1978)   18'

ore 18.30:
Proiezione del documentario “La musica in Italia dal 1945 ad oggi: un archivio vivente. Niccolò Castiglioni (1932-1996)”, durata 45'.

Per informazioni:
http://www.milanomusica.org/index.php
tel. 02 20403478

21° Festival di MilanoMusica - concerto

Thu, 04 Oct 2012 22:00:00 GMT

Programma

Michele dall'Ongaro (1957)
Sesto Quartetto (2012) 15'
Prima esecuzione assoluta

Anton Webern (1883-1945)
Langsamer Satz (1905)   10'
Sechs Bagatellen op.9 (1913)   4'

Niccolò Castiglioni (1932-1996)
Romanze (1990)   9'

Béla Bartók (1881-1945)
Quartetto n. 4 (1928) 23'

Concerto realizzato con il gentile accordo della Società del Quartetto di Milano, presso la quale il Quartetto di Cremona è artist in residence 2011-2014.
In collaborazione con MITO.

Per informazioni:
http://www.milanomusica.org/index.php
tel. 02 20403478

ELECTRONIC MUSIC & ACUSMONIUM

Wed, 08 May 2013 22:00:00 GMT

ELECTRONIC & ACUSMONIUM
6 serate tematiche, febbraio – giugno 2013
Cin'acusmonium, Dubstep & Ambient: Burial e Monolake, Live Electronics, Notte Acusmatica, Videoart...

Il ciclo “Electronic & Acusmonium” si apre l’11 febbraio con un’inaugurazione singolare: la proiezione, per la prima volta con l’acusmonium, del film 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick.
Questo inizio piuttosto insolito intende presentare il ciclo di musica elettronica sotto una nuova veste, non tanto come una serie di concerti per far scoprire alcune novità della scena musicale internazionale, quanto la proposta di un itinerario di ascolto integrato alla riflessione sul problematico rapporto tra l’uomo e la tecnologia, sul destino dell’uomo.
Da gennaio a giugno il ciclo comprende 6 date. Oltre a due appuntamenti di Cin’Acusmonium (l’11 febbraio con Kubrick e il 27 maggio con Koyaanisqatsi di Godfrey Reggio) ci saranno quattro serate di musica elettronica:
- lunedì 4 marzo, Paesaggi Urbani & Utopie Ambientali con musiche di Burial e Monolake e il sound reactive visuals (interazione suono/immagine) a cura dell'artista multimediale Andrew Quinn;
- mercoledì 13 marzo, novità: sonorizzazione elettronica del primo film muto conservato di Yasujirō Ozu realizzata dal compositore spagnolo Alberto Carretero;
- lunedì 22 aprile, Quadrilatero, musica a quattro dimensioni, serata in quattro parti, musiche di Luigi Ceccarelli, Carmine Emanuele Cella, Giuseppe Ielasi, Riccardo Nova, Massimiliano Viel, con Mario Marzi al sassofono, Sincronie e Otolab
- lunedì 17 giugno, Notte acusmatica, festa della musica elettronica con una nuova produzione del Gruppo Phonologia in omaggio a Tarkovskij e opere di Bernard Parmégiani, Giovanni Cospito e Alexandre Yterce.

CALENDARIO

Lunedì 11 Febbraio 2013, Auditorium San Fedele (via Hoepli 3/b)
DOPPIA PROIEZIONE: ore 18.00 e 21.00
CIN’ACUSMONIUM / 2001: Odissea nello spazio (1968) di Stanley Kubrick
Proiezione acusmatica dell’originale soundtrack a cura di Giovanni Cospito e Dante Tanzi
Biglietti: € 5 / € 8

A 45 anni dalla sua realizzazione, la Fondazione Culturale San Fedele celebra il capolavoro di Kubrick con una doppia proiezione straordinaria della copia restaurata e in lingua originale (sottotitoli in italiano) del film, aggiudicatosi il Premio Oscar per gli effetti speciali nel 1969, anno in cui, ‘dopo’ Kubrick, l’uomo riuscì realmente ad approdare sulla Luna. Pensato sin dal 1964, il film riflette sul rapporto dell’uomo con la tecnologia, ma in maniera metafisica: «ognuno è libero di speculare a suo gusto sul significato filosofico e allegorico del film. Io ho cercato di rappresentare un'esperienza visiva, che aggiri la comprensione per penetrare con il suo contenuto emotivo direttamente nell’inconscio» (S. Kubrick).

Lunedì 4 marzo, Auditorium San Fedele (via Hoepli 3/b), ore 21.00
PAESAGGI URBANI & UTOPIE AMBIENTALI / Untrue di Burial & Gobi di Monolake
Sound reactive visuals (interazione suono/immagine) a cura dell'artista multimediale Andrew Quinn
Proiezione acusmatica a cura di Giovanni Cospito e Dante Tanzi
Biglietti: € 5 / € 8

La scena del Garage Dubstep, trasfigurata e portata all’esplosione dall’universo sonoro di Burial: scorci musicali urbani, carichi di una struggente malinconia, ma al tempo stesso intensi ‘campi di memoria’ in cui risuonano alcuni scheletri sonori della Pop music degli ultimi 20 anni. Impressionante pannello sonoro di 36 minuti, dai toni caldi e in netto contrasto con le schegge di Burial è, invece, Gobi. The desert, capolavoro della produzione ambient di Monolake, che acquista una forza travolgente mediante la diffusione acusmatica.

Lunedì 22 aprile, Auditorium San Fedele (via Hoepli 3/b), ore 21.00
QUADRILATERO / Musiche a 4 dimensioni
Musiche acusmatiche, Live electronics & Video-Art
Mario Marzi, sassofonista. Proiezioni acusmatiche a cura di: Giovanni Cospito, Giuseppe Ielasi, Massimo Viel. Elaborazione video a cura di Otolab
Biglietti: € 5 / € 7

In programma: Improvviso statico per sassofono & live electronics di Carmine Emanuele Cella e Neuromante per sassofono contralto e nastro magnetico di Luigi Ceccarelli (Mario Marzi, solista); composizioni acusmatiche di Giuseppe Ielasi (Laptop project), Massimiliano Viel & Riccardo Nova (Incroci e proiezioni); video-art con il laboratorio Otolab (Percezioni instabili).

2 PRIME ESECUZIONI ASSOLUTE

Massimiliano Viel
Titolo: Crossing
Durata: 15' ca.
Tecnica: file audio stereo da essere spazializzato su Acusmonium

"Crossing" è uno studio sulla polifonia elevata, qui rappresentata dall'immagine di un ammasso globulare ("cluster"), una sorta di mini-galassia sferica composta da centinaia di migliaia di stelle. In questo brano l'ascoltatore viene immerso in un cluster fittizio composto da 36 tra le stelle più brillanti che sono visibili dalla Terra, le quali diventano altrettante voci di una polifonia immersiva. I segnali emessi da queste stelle/voci si intrecciano creando e disfacendo dialoghi come in un rito proveniente da un mondo lontanissimo e antichissimo in cui noi siamo spettatori. I materiali di "Crossing" sono stati realizzati con il sintetizzatore analogico Leploop.

Riccardo Nova
Titolo: Nineteen Mantras remix
Durata: 11' ca.
Tecnica: file audio stereo da essere spazializzato su Acusmonium

"Ninteen mantras remix" e' un estratto del finale di Nineteen Mantras (opera Video/coreografica eseguita in prima nel gennaio 2012 all'Auditorium Parco della musica di Roma con regia di Giorgio Barberio Corsetti , coreografia di Shantala Shivalingappa e musiche di Riccardo Nova) che ho remixato per questa occasione pensando in particolare alla possibilita' dell'acousmonium di distribuire nello spazio lo spettro timbrico. Ho utilizzato un sistema di intonazioni "giuste" con limite 19 che divide l'ottava (2:1) in 99 parti non equabili.

Lunedì 27 maggio, Auditorium San Fedele, via Hoepli 3/b, ore 21.00
CIN’ACUSMONIUM 2 / Koyaanisqatsi (1982) di Godfrey Reggio
Colonna sonora di Philip Glass
Biglietti: € 5 / € 8

Koyaanisqatsi è un’opera che si fonda in maniera esclusiva su un costante contrappunto fra due elementi linguistici utilizzati in stretta correlazione: immagini e suoni musicali, immagini della natura e urbane si alternano, a velocità accelerata o rallentata Attraverso essi si realizza, lungo un arco temporale di circa 81’, una solida struttura narrativa dai contenuti fortemente critici nei confronti del modello di sviluppo delle società occidentali.
Irraccontabile, un film senza parole nel quale ogni immagine acquista valore in sé e dove un ruolo fondamentale è svolto dalla colonna sonora, curata dal musicista minimalista Philip Glass. Il titolo è una parola mutuata dalla lingua indiana Hopi e vuol dire «la vita senza equilibrio».

Lunedì 17 giugno, Auditorium San Fedele, via Hoepli 3/b, ore 21.00
NOTTE ACUSMATICA / Omaggio a Tarkovskij
Biglietti : € 5 / € 7

Musiche acusmatiche di Giovanni Cospito, Bernard Parmegiani, Alexandre Yterce, Éole (collectif de musique activ) e un inedito ‘omaggio a Tarkovskij’ dei giovani compositori finalisti del “Premio Phonologia 2013” di San Fedele Musica.

DOM 18 Novembre Aulodia & Monodia

Fri, 09 Nov 2012 23:00:00 GMT

Georg Philipp TELEMANN (1681 - 1767)
Fantasia n. 1 in La maggiore (flauto)
Vivace - Adagio/allegro - Allegro

Johann Joachim QUANTZ (1697 - 1773)
Capriccio “Alla francese” in Re maggiore (flauto)

César FRANCK (1822-1890)
da Pièces en mi mineur et mi majeur 1890 armonium
-    Andantino quasi allegretto
-    Prière, Quasi lento
-    Non troppo lento
-    Allegretto
-    Poco allegretto
-    Offertoire ou Communion

Lettura di un testo del Cardinal Carlo Maria Martini

Georg Philipp TELEMANN
Fantasia n. 8 in Mi minore (flauto)
Largo - Spirituoso - Allegro

Carl Philipp Emanuel BACH (1714 - 1788)
Sonata in La minore, Wq 132 (flauto)
Poco adagio - Allegro – Allegro

CESAR FRANCK
da Sept Pièces en fa mineur et fa majeur 1890 armonium
-    Allegretto
-    Lento
-    Allegretto
-    Poco lento
-    Sortie

Lettura di un testo del Cardinal Carlo Maria Martini

Georg Philipp TELEMANN
Fantasia n. 11 in Sol maggiore (flauto)
Allegro - Adagio/Vivace - Allegro

Saverio MERCADANTE (1795 - 1870)
Capriccio n.1 Adagio [da 20 Capricci per flauto solo]

Carl Philipp Emanuel BACH
Sonata per flauto e clavicembalo in Re maggiore, Wq 83
Allegro un poco - Largo - Allegro

Giona Saporiti, flauto traversiere, flauto romantico e moderno
Francesco Catena, armonium e organo

    Innodia e versetti del Magnificat
    Per la festa di Santa Cecilia, un programma che procede alternando brani per flauto solo e per armonium con un duplice scopo. Da una parte, il flauto nella sua veste monodica originaria, suggerirà il canto di lode del coro celeste, e in particolare di Santa Cecilia. D’altra parte, l’armonium con i brani scritti da César Franck negli ultimi mesi della sua vita sui versetti del Magnificat, presenterà un omaggio in onore della Vergine Maria.
Verranno utilizzati tre flauti, due traversieri settecenteschi a una chiave, un flauto del periodo romantico (1800-1830) per il pezzo di Mercadante, e lo strumento odierno, con i relativi cambi di impostazione e di sonorità. Molteplicità di strumenti, non tanto per motivi filologici ma per ritrovare una serie di timbri e colori vicini al carattere innodico del programma.
    Le opere suonate al traversiere sono state scritte da compositori tedeschi del Settecento attivi in particolare a Potsdam e Amburgo: Telemann, Quantz e C.P.E. Bach.
    Tre Fantasie di Georg Philipp Telemann, tratte dalle 12 Fantasie per flauto solo senza basso, introdurranno i tre momenti flautistici. Si tratta di quadretti relativamente brevi in due o tre movimenti. Tuttavia, in questi brani, Telemann riesce a utilizzare con grande arte le limitate possibilità offerte dallo strumento solista. Infatti, produce effetti polifonici, non solo incrociando il registro più basso con quello più alto, ma anche creando poli di tensione e di riposo sulla base delle caratteristiche del traversiere, con le sue sonorità talvolta ombrose, talvolta luminose.
    La Fantasia n.1 in La maggiore, di carattere rapsodico, sembra riassumere diverse forme in miniatura: dalla toccata e fuga all’adagio d’effetto, inoltre con le risposte in eco nel primo movimento. Della Fantasia n.8 in Mi minore, colpiscono i cromatismi lamentosi del primo movimento, cui si oppongono i ritmi ostinati del secondo per finire con una garbata danza in forma di polacca. La Fantasia n.11 in Sol maggiore sembra proporre delle orchestrazioni ideali, partendo dalla scrittura di uno strumento melodico.
    Johann Joachim Quantz è noto come flautista e compositore, ma anche come grande didatta e autore di un trattato fondamentale per la tecnica flautistica e la prassi esecutiva dell’epoca. I suoi Capricci perseguono uno scopo prevalentemente didattico, presentano una serie di difficoltà tecniche o moduli su cui esercitarsi, sia pure nella cornice di un brano musicalmente compiuto. Il capriccio “alla francese”, con una misurata adozione di ritmi puntati di stile francese, diffonde un senso di solare giocondità lontano da qualsiasi leziosità.
Aderiscono più al genere paganiniano i Capricci di Saverio Mercadante, musicista principalmente dedito all’opera ma di cui si ricordano molte pagine flautistiche, soprattutto il più noto Concerto per flauto in Mi minore. Tuttavia, il primo dei venti capricci per flauto solo, sviluppa una semplice melodia in un tempo adagio e si sottrae alla scrittura di bravura.
    Di un’architettura più ampia e complessa è la Sonata per flauto solo in La minore wq 132 di Carl Philipp Emanuel Bach. Essa sviluppa una serie di rapidi cambiamenti emotivi, che sembrano anticipare dei tratti “Sturm und Drang”, attraverso delle figure che si potrebbero dire retoriche, ma di una retorica senza parole, di un parlare attraverso i suoni ancora senza precedenti. Infine, la Sonata in Re maggiore Wq 83 per flauto e clavicembalo costituisce uno splendido esempio di triosonata, dove il flauto e la parte affidata alla mano destra della tastiera dialogano, sopra il basso affidato alla mano sinistra.
    César Franck ha scritto una sessantina di brani per l’armoinum negli ultimi mesi della sua vita. Furono pubblicati postumi nel 1892 con il titolo L’Organiste 59 pièces composées spécialement pour l’Orgue-Harmonium. Si tratta di composizioni scritte come versetti al Magnificat. Scrive Franck al parroco di Ste Clotilde, M. Gardey: “Ah! Il Magnificat! Quanto l’ho amato! Quanti versetti ho improvvisato su queste parole magnifiche. Ne ho composti alcuni e ne ho appena inviati 63 al mio editore, vorrei arrivare a cento pezzi. Vi lavorerò quando sarò guarito, oppure Dio permetterà che li completi nell’Eternità”. In Francia c’era stata una lunga tradizione di brani organistici dedicati al Magnificat: Titelouze, M. Corette, Lebègue, Dandrieu, ecc. di cui Franck segue lo schema abituale di 6 versetti e un Amen. Il compositore belga scriverà 9 cicli di Magnificat in 9 tonalità che vanno cromaticamente dal Do al Lab. Ogni ciclo comporta 3 versetti in maggiore e 3 versetti in minore con un breve Amen e in conclusione viene posto un brano più lungo (Offertoire, Sortie o Communnion) che riassume il materiale tematico dei brani precedenti.

    Francesco Catena, armonium e organo
    Milanese, ha studiato presso il Conservatorio “G.Verdi” della propria città conseguendo il diploma di Pianoforte e di Organo e Composizione organistica. Nel 1973 vince il concorso di organista/clavicembalista presso l’orchestra del Teatro alla Scala, posto che occuperà sino al 2002. Come solista ha effettuato concerti in Russia, ex-Iugoslavia, Lussemburgo, Svizzera e Croazia. Incisioni discografiche effettuate per Ariston, Eco, Paragon, CBS; di particolare rilievo l’integrale del Secondo Libro di Toccate e Canzoni di Girolamo Frescobaldi per l’etichetta Philips. Ha registrato per la RAI l’opera omnia organistica di César Franck. Dal 1965 è l’organista titolare della Basilica di San Fedele in Milano.

    Giona Saporiti, flauti
    Ha iniziato gli studi musicali presso la Scuola di Musica “G.Puccini” di Gallarate, si è diplomato in flauto al Conservatorio "G.Verdi" di Milano. Laureato in flauto traversiere presso il Dipartimento di Musica Antica del Conservatorio “A.Pedrollo” di Vicenza. Ha frequentato corsi di perfezionamento con Glauco Cambursano, Maxence Larrieu, Patrick Gallois, con Marcello Gatti e Ubaldo Rosso per il repertorio settecentesco su strumenti storici e, per la musica da camera, con Pier Narciso Masi, Mario Delli Ponti, Leonardo Leonardi e altri. Vincitore di alcuni premi fra i quali un Primo e un Secondo Premio al Concorso Internazionale "Città di Stresa". Laureatosi in Discipline della Musica presso il D.A.M.S. dell'Università di Bologna, lavora come consulente musicale nel settore discografico. E’ collaboratore delle riviste Rondò, Musikbox, Musica. Come concertista è attivo sia come solista che in varie formazioni da camera e orchestrali. È stato il primo flautista a incidere le opere da camera con flauto di Virgilio Mortari. Per La Bottega Discantica ha inciso l’integrale delle Sonate per due flauti traversieri e basso continuo di Pietro Nardini. E’ iscritto al Corso di Laurea Specialistica in Musicologia presso l’Università di Cremona e sta svolgendo studi filosofici presso l’Università di Pavia.

DOM 7 Ottobre Venezia e Milano all'epoca di G. Gabrieli

Thu, 04 Oct 2012 22:00:00 GMT

SPAZIO & MUSICA - I

LODOVICO GROSSI DA VIADANA (1554/57 - 1612)
Canzon “La Bergamasca”

GIOVANNI GABRIELI (1554/57 - 1612)
Canzon Vigesimaottava a 8 «Fa sol la re»

MICHEL’ANGELO GRANCINO (1605 - 1669)
Dulcis Christe

VINCENZO RUFFO (ca. 1510 - 1587)
Adoramus te Christe

TARQUINO MERULA (ca. 1595 - 1665)
Cromatico overo Capricio primo tuono per le Semituoni

GIAN PAOLO CIMA (ca. 1570 - ?)
Quam Pulchra es

GIOVANNI BATTISTA RICCIO (sec. XVI - 1621)
Laudate Dominum

GIOVANNI PIERLUIGI DA PALESTRINA (ca. 1525 - 1594)
Introduxit me Rex

GIOVANNI GABRIELI (1554/57 - 1612)
Sonata Vigesimaprima a 3

TARQUINO MERULA (ca. 1595 - 1665)
- Canzone III
- Intonazione cromatica del IV tono

AGOSTINO SODERINI (sec. XVI - 1608)
Canzon “La Brivia”

GIAN PAOLO CIMA (ca. 1570 - ?)
Laudate Dominum

GIOVANNI GABRIELI (1554/57 - 1612)
Sonata Pian’ e Forte

Ut Fa Sol Consort
Pietro Modesti, cornetto
Ermes Giussani, trombone alto e tenore
Susanna Defendi, trombone tenore
Valerio Mazzucconi, trombone basso
Francesco Catena, organo

Doveroso omaggio a Giovanni Gabrieli, nel quarto centenario dalla scomparsa, e al suo tempo. Il programma propone, infatti, anche le musiche di altri autori a lui contemporanei, operanti nel Nord Italia e inevitabilmente influenzati da quella ‘fucina della modernità’ che fu la Cappella Marciana di Venezia. Nel XVI secolo, il nucleo principale degli organici strumentali privilegiati nelle chiese in particolari occasioni liturgiche era formato da cornetti e tromboni, ossia gli strumenti di ‘alta cappella’, i cui musicisti, a Venezia soprattutto, godevano di uno status privilegiato all’interno della gerarchia civile, poiché coinvolti nelle pubbliche celebrazioni della Repubblica Serenissima. Tra i secoli XVI e XVII, a questo gruppo di strumenti se ne affiancheranno poi altri, quali dulciane (progenitrici del fagotto), strumenti a tastiera e ad arco. La possibilità riservata a questi strumenti di raddoppiare le parti vocali era consuetudine a Venezia e in Lombardia, dove era diffusa la prassi della policoralità. In questo senso, la presenza di due cantorie poste l’una dirimpetto all’altra nella Basilica di San Marco non fece altro che stimolare la fantasia dei maestri di cappella e degli organisti che qui si susseguirono, tra i quali Andrea Gabrieli, zio di Giovanni. Lo Stile concertato e il suo peculiare trattamento di più masse sonore – differenti per peso fonico e orchestrazione –, troveranno in Giovanni Gabrieli il punto di transizione verso il successivo sviluppo delle modalità compositive che saranno proprie, in avanzata età barocca, del Concerto strumentale e un’immediata influenza sulla successiva generazione di compositori.
          Due, sostanzialmente, sono le facce del prisma della musica strumentale protobarocca che, ‘tra Venezia e Milano’, verranno messe in luce in questo concerto: il genere della Canzon da sonar e l’arte della trascrizione. Ancora, le tre pagine per strumento a tastiera intercalate all’interno del programma abbozzeranno un piccolo ritratto del compositore Tarquinio Merula.
         Il genere della Canzon da sonar, propagatosi in Italia sul finire del Cinquecento, trova matrice nella polifonia vocale della chanson franco-fiamminga e toccò il suo vertice, dando autonomia alla scrittura strumentale, con le Sacrae Symphoniae (Venezia; 1597) di Giovanni Gabrieli, nelle quali, oltre a mottetti ‘coral-strumentali’ e canzoni da sonar, sono raccolte due sonate, la prima delle quali intitolata Pian’ e Forte in virtù delle indicazioni dinamiche prescritte dal compositore. La Canzon Vigesimaottava «Fa sol la re» – il cui titolo riporta il soggetto musicale impiegato – e la Sonata Vigesimaprima appartengono, invece, a raccolte più tarde. Mutuato anch’esso dalla chanson e dalla basse danse è il taglio danzereccio de La Bergamasca di Lodovico da Viadana e de La Brivia di Agostino Soderini (organista nella Chiesa di Santa Maria della Passione a Milano). Nella prima di queste due Canzoni, il tema è ricavato dalla popolaresca melodia della Girometta, mentre il titolo della seconda è un omaggio al nobile milanese Luca Francesco Brivio, a cui Soderini dedicò l’edizione a stampa delle sue Canzoni.
         L’ampio ventaglio di trascrizioni in programma permette di osservare il cambiamento dell’indirizzo estetico-stilistico tra la stagione musicale tardo rinascimentale e quella barocca: sostituendosi qui il cornetto e i tromboni alle voci che originariamente veicolavano i testi, la sapiente costruzione contrappuntista di queste composizioni sacre verrà maggiormente evidenziata. Si va da Vincenzo Ruffo (Adoramus te Christe) e Pier Luigi da Palestrina (Introduxit me Rex), compositori dell’età del Concilio di Trento, a Michel’Angelo Grancino (Dulcis Christe), compositore e organista milanese attivo, come Ruffo, nel Duomo, ma la cui musica ha fatto propria, ormai, l’esperienza monteverdiana. Tra queste due generazioni di musicisti funge da trait d’union quella alla quale appartengono il milanese Gian Paolo Cima e Giovanni Battista Riccio (attivo a Venezia); generazione che consolidò la pratica del basso continuo. Dei due compositori si ascolteranno, rispettivamente, i mottetti Quam Pulchra es e Laudate Dominum.
          In Italia, la scrittura tastieristica d’inizio Seicento si contraddistingue per l’estroverso virtuosismo e un’inquietudine manierista che si palesa, ad esempio, nell’ossessivo cromatismo melodico che accomuna il Capriccio di Tarquinio Merula e le tre toccatistiche Intonazioni cromatiche (solamente attribuite al musicista bussetano attivo a Cremona). La Canzone III, strettamente imparentata con un’altra dello stesso Merula intitolata La Marca, è in forma tripartita e, come le pagine precedenti, è caratterizzata da una diffusa scrittura imitativa (a.t.).

MAR 18 Settembre MITO

Sat, 15 Sep 2012 22:00:00 GMT

Víkingur Ólafsson (pianoforte)

Musiche di:

Johann Sebastian Bach
Partita n. 2 in do minore, BWV 826
Partita n. 5 in sol maggiore, BWV 829

Johannes Brahms
Intermezzo, op. 117 n. 1

Edvard Grieg
Woodland Peace, op. 71 n. 4

Johannes Brahms
Intermezzo, op. 117 n. 2

Jean Sibelius
Sonatina, op. 67 n. 2

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Johannes Brahms
Intermezzo, op. 117 n. 3

Franz Liszt e Richard Wagner
Isolde’s Liebestod

Quest’anno Glenn Gould avrebbe compiuto ottant’anni. Il giovane pianista islandese Ólafsson, in occasione dell’anniversario, gli dedica un concerto ispirato a The Idea of North, il programma radiofonico in cui Gould esplorava la solitudine delle remote regioni del Nord del Canada. Prima del concerto e durante l’intervallo, clip audio con la voce del grande pianista rendono omaggio alle sue idee sulla musica e sulla natura dell’interprete.

DOM 9 Settembre MITO

Fri, 31 Aug 2012 22:00:00 GMT

Sylvano Bussotti (1931)
Gran Duo, per violoncello e pianoforte (da Beethoven)
Gît le coeur, per percussione
Arlequin poupi, per 5 esecutori

Stefano Gervasoni (1962)
Dal belvedere di non ritorno, per ensemble
Prato prima presente, per ensemble

Divertimento Ensemble
Sandro Gorli, direttore

ingresso gratuito

A confronto due compositori tra i più rappresentativi delle rispettive generazioni: Sylvano Bussotti e Stefano Gervasoni. Mentre per Bussotti continua l’attrazione per forme di teatralità musicale, l’opera di Gervasoni approfondisce l’essenzialità del canto interiore, della parola non pronunciata e piena di potenzialità espressiva, della ricerca di una semplicità paradossale. Dall’apparente scorrere tranquillo degli eventi sonori, emerge una sorprendente vitalità che raggiunge tutti i parametri musicali e tiene sempre viva l’attenzione.

LUN 29 aprile In Memoriam

Tue, 23 Apr 2013 22:00:00 GMT

Musiche di Ernesto Esposito (1939-2012)

Alessandro Braga, violino
Marco Testori, violoncello
Federica Napoletani, soprano; Arianna Lanci, mezzosoprano
Paolo Beltramini e Gloria Maria Citton, clarinetto
Roberto Arosio, Marco De Gaspari, Stefania Redaelli, pianoforte

Programma in ricordo di Ernesto Esposito, scomparso il 30 aprile del 2012, musicista milanese attivo per oltre 50 anni in diversi ambiti, dall’insegnamento del pianoforte al Conservatorio di Milano all’arte della registrazione discografica, da qualche rara apparizione come direttore d’orchestra a un costante lavoro di compositore con un catalogo di circa 80 opere. L’ultima opera di E. Esposito – Salmi per coro, organo e 4 arpe – era stata creata nella Chiesa di San Fedele il 23 novembre del 2011, opera complessa ed esigente che rivelava il personalissimo e solitario cammino di un compositore libero, non catalogabile all’interno delle diverse correnti che hanno caratterizzato la creazione musicale degli ultimi 40 anni. Ernesto Esposito è un compositore tutto da scoprire.

PROGRAMMA
- Proiezione di ALEPH, Sestetto per colori complementari per sestetto vocale (1980; animazione di Alfredo Chiappori; musica di Ernesto Esposito)

CONCERTO
Ernesto Esposito (1939 – 2012)
- Tre Momenti Musicali, per clarinetto e pianoforte (1966)

- Due liriche su testi di Salvatore Quasimodo, per mezzosoprano
L'angelo / Curva minore

- Ass-enzio, Episodi per soprano, clarinetto e pianoforte si testi di Liberato Santoro (1985)
Solesmes / Assenza / Al Silenzio / … la Parola

- Tre Ologrammi, per violino, violoncello e pianoforte (1969)

CIN'ACUSMONIUM

Tue, 15 Jan 2013 23:00:00 GMT

2012
I - Lunedì 26 Novembre
Stalker (1979)

II - Lunedì 10 Dicembre
Andrej Rublëv (1966)

2013
III - Lunedì 14 Gennaio
Nostalghia (1983)

Proiezione acusmatica: Giovanni Cospito e Dante Tanzi

(Prevendita dei biglietti per le proiezioni unicamente in Auditorium, tel. 02 86352231)

Per la prima volta, tre film di Andrej Tarkovskij verranno proiettati con un sistema audio di 40 altoparlanti (l’Acusmonium SATOR). Lo scopo non è quello di creare effetti fonici speciali o di aggiungere sonorità non previste dal regista. Si tratta di spazializzare, durante le proiezioni, unicamente le colonne sonore e il materiale audio dei tre film. L’Acusmonium non ha dunque la funzione di potenziare il suono, ma contribuisce a rendere più percepibile l’unità immagine/suono nell’esperienza cinematografica. L’elemento sonoro, nel linguaggio del cinema, viene spesso concepito come un elemento esterno, aggiunto successivamente al film, nella fase del montaggio. Non è così per Tarkovskij che auspicava, da parte dei registi, una maggiore compenetrazione tra suono e immagine: molto spesso usiamo le immagini come un linguaggio; il suono no, nonostante possa anch’esso venire impiegato in maniera non utilitaristica. Il cinema non è una realtà artificiosa, non è neanche un linguaggio di sintesi tra le varie arti, è piuttosto una realtà esperienziale, come spiegava il regista: “una persona va al cinema per cercare un’esperienza di vita, perché il cinematografo, come nessun’altra forma d’arte, allarga, arricchisce e concentra l’esperienza effettiva dell’uomo, e, per questo, non solo l’aumenta ma la rende, per così dire, più lunga, decisamente più lunga. Ecco dunque dove risiede l’effettiva forza del cinema. L’Acusmonium integra maggiormente la parte sonora con l’immagine, creando all'interno della sala uno spazio acustico nuovo. Così l’insieme ha più unità, un’unità intesa come fedeltà alla realtà, e al tempo stesso la realtà del cinema è più presente, più vicina allo spettatore, più reale e naturale, seguendo un principio di Tarkovskij : “l’immagine cinematografica può incarnarsi solo in forme fattuali, naturali, di vita percepita attraverso la vista e l’udito”. Ma va sottolineato che tutto questo è al servizio degli interessi maggiori del regista. Da una parte, la questione del tempo, “la specificità del cinema è una scultura del tempo… usa la realtà (poiché il tempo è la realtà), usa le realtà del tempo che scorre”. E d’altra parte, il pensiero di Tarkovskij è aperto alla ricerca della profondità delle cose, al senso nascosto della realtà, e nell’artista, appunto, “si manifesta l’istinto spirituale dell’umanità, e nella sua opera l’aspirazione dell’uomo verso l’eterno, il trascendente, il divino, sovente a dispetto della natura peccaminosa del poeta stesso”.

W. KUIJKEN a San Fedele - 15 maggio

Thu, 02 May 2013 22:00:00 GMT

Wieland Kuijken, viola da gamba
Enrico Gatti, violino
Nanneke Schaap, viola da gamba
Giovanni Togni, clavicembalo

Matthew Locke 1621 - 1677
Suite n.5 in la minore
Fantazie - Courante - Fantazie - Saraband
per violino e due viole da gamba

Christopher Simpson 1602 - 1669
Divisions on a Ground in sol maggiore
per due viole da gamba

John Jenkins 1592 - 1678
Fantasia n. 24 in sol min.
per violino, due viole da gamba e cembalo
Fantasia n. 12 in sol min.
per due viole da gamba e cembalo

Intervallo

John Jenkins
Fantasia a violino e viola in sol min.
Fantasia - Air - Corant
per violino, viola da gamba e cembalo

Matthew Locke
Suite n. IV in re
Prelude, Almain, Corant, Saraband, Rant
per cembalo solo

Christopher Simpson
da "The Seasons"
Fancy, Ayre, Galliard
per violino, due viole da gambe e cembalo

(In collaborazione con il Conservatorio G.Verdi di Milano)

Nella prima metà del ‘600, mentre la musica per tastiera inglese, perde pian piano il prestigio acquistato dalla grande tradizione dei virginalisti, all’epoca della Repubblica puritana di Cromwell (1649-1660), la musica strumentale da camera trovò un’espansione sorprendente. Tra le varie cause si possono evocare l’ordine ufficiale di distruggere gli organi delle chiese, il dileguamento di un mecenatismo di corte e in particolare il clima di insicurezza e terrore che regnava all’epoca. Tale situazione diede luogo al grande sviluppo della musica nella società privata, in particolare a brani per complessi di viole e di violini.
Un ruolo di primo piano, in questo campo, lo occupa John Jenkins (1592-1678), riformatore della Fantasia con l’introduzione, nello stile inglese, di elementi della Sonata a tre italiana. Così le Fantasie si divisero in sezioni drammaticamente contrastate e discontinue di differente tempo e mutevole scrittura. Parallelamente, l’ideale polifonico della musica per viola viene scosso dall’ascesa del violino, utilizzato dapprima nella musica del Masque, per la brillantezza del suono, e successivamente nella musica da camera.

Cinema Muto & Live Music 2013

Tue, 19 Mar 2013 23:00:00 GMT

   Oltre che da vedere, il Cinema Muto è anche da ascoltare, con musica live o elettronica che sappia evidenziare i caratteri e i momenti salienti dei film. Ciclo di cinque film realizzati negli ultimi anni del cinema muto. Ma al tempo stesso itinerario che attraversa alcune tappe esistenziali della vita dell'uomo. Due film - il primo e l'ultimo del ciclo - riguardano l’età adulta e la vita di coppia. Al centro, tre delicate storie sull’infanzia e la giovinezza.

SINTESI
   La serie verrà inaugurata, il mercoledì 9 gennaio con il dramma I dannati dell’oceano, di Josef von Sternberg. Ambientato nel mondo portuale newyorkese, il regista vi ritraccia l’incontro tra un uomo e una donna, relazione sospesa tra l’effimero e il duraturo, tra la fatalità e la redenzione. Il suono della fisarmonica e del sassofono, con Simone Zanchini e Mario Marzi, ricostituiscono il clima del dramma. Seguono tre commedie che vedono come protagonisti dei bambini e dei giovani.
   Nell’umoristico Sono nato, ma… di Yasujiro Ozu, previsto per il 30 gennaio 2013, due bambini conducono nella vita quotidiano di un quartiere di Tokio. Non mancano i momenti di grande comicità, ma Ozu non è interessato alle gag. Si sofferma a dipingere con finezza i rapporti gerarchici nella vita sociale in cui si mescolano gli affetti famigliari, i sentimenti di amicizia, il formalismo reverenziale e i complessi di inferiorità. Il pianista Alfonso Alberti si ispira a musiche di fine Ottocento, evocatrici del pennello delicato del regista giapponese.
   Con Long pants di Frank Capra – il 20 febbraio 2013, si passa al tempo della giovinezza. Protagonista è un adolescente sognatore, più nel mondo dei libri che nella realtà della vita. Sta per diventare maggiorenne, ma lo attende un percorso di iniziazione, viaggio di conoscenza del mondo e dell’uomo che F. Capra ricompone attraverso i contrasti simbolici della città e della campagna, della naiveté e della sofisticazione. Al pianoforte, il jazzman Paolo Alderighi, con temi e capriole sonore degli anni Venti americani.
   Altro film sulla giovinezza è Giorni di gioventù di Yasujiro Ozu, il 13 marzo 2013. Numerosi sono gli elementi presi in prestito dal cinema muto hollywoodiano nella composizione formale della commedia. Tuttavia spiccano diverse modalità proprie di Ozu e della cultura giapponese. La sonorizzazione sarà curata dal compositore spagnolo Alberto Carretero che si cimenta in un’impresa inedita, realizzando una colonna sonora con suoni elettronici o acustici trasformati, tuttavia sempre tenendo conto della spessore drammatico-esistenziale del film.
   Il 17 aprile 2013, chiuderà il ciclo Matrimonio in quattro di Ernst Lubitsch, commedia matrimoniale in cui l’intreccio di continui equivoci e di nuove situazioni sentimentali sono condotti con ammirevole ingegno. L’intricato gioco di malintesi si risolve in una ritrovata unità. È il primo film in cui appare il rinomato Lubitsch touch, Al pianoforte, Jean-Luc Plouvier, sperimentato accompagnatore del Cinema Muto che lavora da oltre vent’anni alla Cineteca Reale di Bruxelles.

Biglietti e prevendita solo in Auditorium (via Hoepli 3a)
Informazioni: Tel. 02 86352231
sanfedelemusica@gmail.com

PROGRAMMA:

MER 9 Gennaio 2013 ore 20.30
I dannati dell’oceano, di J. von Sternberg (1928)
Mario Marzi, sassofono
Simone Zanchini, fisarmonica
Presenta Fabio Vittorini

Un’opera maggiore del cinema muto di Josef von Sternberg girato ad Hollywood nel 1928. Ambientato nei bassifondi portuali di New York degli anni Venti, il film ha come centro un breve incontro tra un fuochista di nave e una prostituta disperata che egli salva dal suicidio. La storia si svolge nel giro di 24 ore, divisa in due "atti" condizionati dalla luce: il primo è dominato dalla Notte, il secondo dal Giorno. Sternberg coniuga Hollywood e la scuola tedesca. A condurre tra le luci e le ombre del dramma saranno due tra i migliori improvvisatori della scena internazionale, il fisarmonicista Simone Zanchini e il sassofonista Mario Marzi.

MER 30 Gennaio ore 20.30
Sono nato, ma…, di Yasujiro Ozu (1933)
Alfonso Alberti, pianoforte
Musiche di fine Ottocento

Uno dei migliori tra i film muti del giovane Ozu. Il brio leggero della commedia dovuto specialmente alle due buffe figure infantili e la delicatezza dell’arte di Ozu nel ritrarre le dinamiche famigliari del Giappone degli anni ’30 vengono rese in musica con alcune partiture poco note di fine Ottocento. Un impiegato vive alla periferia di Tokyo con la moglie e due figli maschi. Scandalizzati dal suo servilismo verso il datore di lavoro, i ragazzini gliene chiedono ragione, ma la sua risposta è imbarazzata e insoddisfacente. Per protesta fanno uno sciopero della fame, cui rinunciano presto quando intuiscono che nel mondo esistono i rapporti di forza.

MER 20 Febbraio ore 20.30
Long pants, di Frank Capra (1927) presenta Fabio Vittorini
Paolo Alderighi, pianoforte

Ultima collaborazione tra Harry Langdon, timido sognatore, e Frank Capra. Film ibrido, sospeso tra la romance e la commedia, con lampi di film noir e di cinema d'avanguardia. Sviluppa un tema che fu centrale nella narrativa nordamericana a cavallo tra l'Ottocento e il Novecento: il conflitto tra innocenza ed esperienza, gentilezza della provincia e corruzione urbana. Il sogno è la chiave di volta di tutta l’architettura comica del film (V. Zagarrio). La sonorizzazione sarà curata da Paolo Alderighi, nuovo talento del jazz italiano, con un viaggio nell’universo del Touch of Swing.

MER 13 Marzo ore 20.30
Giorni di gioventù, di Yasujiro Ozu (1929)
Alberto Carretero, musica elettronica

Serata-scoperta non solo del primo lungometraggio, ma anche del primo film sopravvissuto di Yasujiro Ozu, allora venticinquenne. Protagonisti della commedia due studenti della Tokio degli anni ’20, uno più avveduto e l’altro piuttosto impacciato. Entrambi si invaghiscono senza saperlo della stessa ragazza e, infine, si ritrovano a sorpresa tutti insieme in una vacanza di sci. Visivamente, il film è assai diverso dalle pellicole mute americane ed europee, nelle quali l'espressività e i volti degli attori veicolavano tutte le emozioni e la narrazione stessa. Qui, invece, a volte si ha l'impressione di trovarsi di fronte a un film sonoro del quale è andato perso l'audio, tanto la recitazione è realistica. Nei contenuti, invece, il regista sembra rifarsi decisamente alle commedie occidentali, con echi di Lubitsch, Keaton e le maniere di Harold Lloyd.

MER 17 Aprile ore 20.30
Matrimonio in quattro, di Ernst Lubitsch (1924)
Jean-Luc Plouvier, pianoforte

È la prima commedia americana di Lubitsch e il suo film preferito, di cui farà un remake nel 1932 con Un’ora di amore. Considerato il miglior film di Lubitsch anche da Hitchcock, Chaplin e Kurosawa. Esempio iniziale del famoso 'tocco alla Lubitsch', ciò che Billy Wilder descrisse come la singolare capacità di dare anche ai particolari minimi la brillantezza e la leggerezza dell’arguzia. Il film è ambientato nella Vienna degli anni Venti, la vicenda ruota attorno a due coppie. Tra i quattro si scatenano ambigui rapporti incrociati. La parte musicale viene curata dal belga Jean-Luc Plouvier, pianista della cineteca reale di Bruxelles, fondatore dell’Enemble Ictus e attivo negli anni ’80 con vari gruppi di rock d’avanguardia, quali Univers Zéro, Maximalist! e X-legged Sally.

DOM 23 giugno Sinfonia di Mendelssohn e Magnificat inedito di Graupner

Mon, 13 May 2013 22:00:00 GMT

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809 - 1847)

Sinfonia n. 1 in Do minore, op. 11 (1824)
I. Allegro di molto; II. Andante; III. Menuetto; IV. Allegro con fuoco

Hör Mein Bitten per solista, coro e orchestra

Christoph Graupner (1683 - 1760)

Magnificat per soli, coro e orchestra (1722)

I CIVICI CORI
Orchestra della Civica Scuola di Musica
Mario Valsecchi, direttore

In collaborazione con il Consolato Generale della Repubblica di Croazia

Concerto conclusivo della stagione in omaggio al gesuita croato Ruggero Boscovich, scienziato e cittadino di diversi paesi europei. Il programma comprende la Prima Sinfonia in Do minore e Hör Mein Bitten per solista, coro e orchestra di Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) e il Magnificat inedito per soli, coro e orchestra di Christoph Graupner (1683-1760), composizione grazie alla quale il compositore sassone si aggiudicò la nomina a Kantor della Thomasschule di Lipsia; posto che dovette presto abbandonare a favore di Johann Sebastian Bach.

APPUNTI
Nel 1824, dopo diverse prove di scrittura sinfonica, il quindicenne Mendelssohn si misura con il complesso modello sinfonico beethoveniano. Diretta nel 1829 dal compositore stesso, sul podio della Royal Philarmonic Society di Londra, con questa Tredicesima Sinfonia in Do minore Mendelssohn pervenne a un linguaggio moderno e autenticamente personale, a tutti gli effetti la ‘n. 1’.
Al 1844, alla maturità del compositore amburghese, risale invece la composizione di Hear my Prayer, commissionatogli dall’autore del testo di questo Inno religioso: W. Bartholomew, autore del libretto dell’Oratorio Elijah. La traduzione in tedesco dell’Inno (Hör’ mein Bitten) venne apprestata dallo stesso Mendelssohn, il quale non si sarebbe mai immaginato che questa sua opera sarebbe diventata una delle sue più eseuite, soprattutto in Inghilterra.
A Mendelssohn si deve pure la riscoperta postuma di Johann Sebastian Bach. Eppure, se non fosse stato per un inconveniente toccato in sorte a Christoph Graupner (1683-1760), uno dei compositori più apprezzati del suo tempo allievo di Kuhnau, la carriera e la produzione musicale di Bach avrebbero assunto probabilmente un corso e una fisionomia ben diversi. Infatti, in un primo momento, il concorso per l’assegnazione del posto di Kantor della Chiesa di San Tommaso di Lipsia non fu vinto da Bach, bensì da Graupner. Questi, il 17 gennaio 1723, sottopose all’ascolto della commissione giudicatrice due Cantate di propria composizione. Alla commissione bastò poco per convincersi del talento di Graupner, dal momento che, tre settimane prima, durante la funzione della vigilia di Natale, era stato eseguito il suo Magnificat per soli, coro e orchestra. In effetti, Graupner non ricevette dal suo datore di lavoro il permesso di trasferirsi a Lipsia, e così il posto fu abbandonato a favore di Bach, il quale lo conservò fino alla fine dei suoi giorni.